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SUMMARY:HENRI GUÉRIN\, “Aprendiz de la luz”\, “Poeta de lo indecible”
DESCRIPTION:Esta última semana del Ateneo en el Aire\, desde el Grupo de Artes Plásticas presentamos en Imágenes en la ventana la obra de HENRI GUÉRIN (Francia\, 1929-2009)\, maestro vidriero\, pintor\, dibujante\, poeta\, místico\, gran observador de la naturaleza\, de sus luces y de sus sombras.  Es tal vez\, entre los artistas contemporáneos\, quien hizo\, en su obra y sobre ella\, la mejor síntesis del color como materia y luz\, partículas y ondas\, densidad y transparencia\, palabra y silencio. \n« La luz es lo que más me interesa\, en la quietud como en el movimiento\, con sus contrastes de sombra. Papel blanco\, vidrio\, lana y más materiales para encarnar el espíritu\, escribir lo indecible ». \nEl trabajo en solitario de este artista dibujante\, pintor y maestro vidriero\, “es un trabajo mudo que las palabras no pueden aprehender\, excepto las de los poetas.” \nHenri Guérin es conocido\, desde los años 50\, por sus vidrieras de dalles de verre o losas de vidrío\, creaciones nutridas por obras más intimistas sobre papel y por unas reflexiones que podemos calificar de poéticas sobre la creación artística. \nNacido el 30 de julio de 1929 en Brujas \, un pueblo en los Pirineos Atlánticos \, Henri Guérin pasó su infancia y juventud en Val-d’Oise \, cerca de París. \nEn 1954\, con ocasión de una estancia en la abadía benedictina de En Calcat (Tarn)\, conoció al padre Ephrem Socard\, quien le inició a la técnica del vitral en losas de vidrio. \nEn 1961\, se instaló en Plaisance-du-Touch \, cerca de Toulouse\, donde concibió y realizó sus vidrieras en solitario. En 2009\, año de su fallecimiento\, su último vitral fue el dosel Marie\, Porte du ciel \, para la cripta Notre-Dame de Sous-Terre\, en la catedral de Chartres. La colocación póstuma de esta obra fue llevada a cabo en 2010 por su nieto Matthieu Gasc (www.matthieu-gasc.fr)\, quien se hizo cargo del taller desde 2009. \nPierre Guérin\, otro de sus nietos\, también se ha embarcado en la aventura de las vidrieras desde 2012. \nhttps://fr.wikipedia.org/wiki/Henri_Guérin_(peintre-verrier) \n  \nHenri Guérin da mucha importancia a la meditación y a la reflexión que acompañan y nutren el proceso creador. \nEn  Patience de la main-\, publicado en 1996 en la editorial Cerf\, el artista da rienda suelta a esta meditación nacida en el taller y en la naturaleza\, dirigiéndose supuestamente a un artista principiante. \nAborda los temas de la vocación\, de la elección de los materiales\, de la observación\, del recogimiento\, de la página blanca\, de la paciencia\, de las trampas que acechan al principiante\, de la autocrítica\, de la adquisición\, de la duda\, del “desaprendizaje” en un lenguaje poético\, con la intención de alcanzar a cualquier persona en búsqueda de una relación sensible con el mundo. \nSu hija Sophie Guérin-Gasc\, arquitecto e historiadora de Arte\, ha leído una tesis doctoral sobre la obra de su padre y\, con sus tres hermanos\, fundó la Asociación Henri Guérin en abril 2009\, con ocasión de la preparación de la gran exposición de la obra del artista en el Museo de l’Orangerie del Senado de París en agosto del mismo año. \nhttp://www.henri-guerin.com/articles.asp?idpage=40&idrubrique=10 \n  \nAntes de abordar la presentación de las reflexiones del propio Henri Guérin sobre su creación artística\, remitimos al lector a una presentación de su obra de maestro vidriero hecha de ritmos y vibraciones\, de juegos de luz y de sombra\, en una búsqueda constante\, rigurosa y silenciosa de la belleza. \nEste vídeo plasma de manera muy representativa las características de la misma en relación con la naturaleza –follaje\, flores-\, la luz –transparencias\, vibraciones y ritmos- y los árboles que han inspirado sus dibujos. \nhttps://www.youtube.com/watch?v=J2lmDGhkAb0&feature=youtu.be \n  \nSin la luz del cielo\, los vitrales se quedan sin vida\, inertes. Han de dejar atrás el taller algún día\, igual que se hace con una madre e irse a vivir su vida de sombras y  luces para inmovilizarse entre las paredes que les esperan y renacer cada mañana para morir al anochecer\, desgranando en cada estación\, el tiempo que pasa. \nPresentamos a continuación una muestra de unas reflexiones del artista reunidas en una antología póstuma de algunos de sus escritos- Henri Guérin. De lumière et d’ombre-\,  en la Revue de la Céramique et du verre.\, en 2011. \nNo existe ninguna versión en español de sus escritos y las citaciones que se leerán aquí son traducciones nuestras. \n  \nUn artista demiurgo \n             A nuestro parecer\, su concepción de la creación artística se corresponde con una visión neoplatónica del creador demiurgo\, gran artesano que da forma al caos\, que busca en la realidad\, en la materia\, un reflejo de las Ideas\, de la Divinidad\, de la perfección: \n            A veces\, me han preguntado: “¿está usted satisfecho de lo que hace?”. Mi respuesta no puede ser sino ambigua y contesto que “sí y no”. “No”\, porque la cosa soñada y vislumbrada de manera fugaz\, es la intuición de lo que quería hacer\, el absoluto deseado y nunca alcanzado. “Sí”\, porque la obra tiene el mérito de existir. Lo que nació es más fuerte que el sueño o el presentimiento\, pues lo veo\, lo toco. Sé muy bien que la perfección es imposible pero la obra que está aquí es algo de aquel desconocido que yo soy para mi mismo\, una pequeña parte del mundo oculto que se ha revelado y ha llegado a la luz\, a la vida. De este desfase entre sueño y realidad\, siempre permanecerá una tensión\, un hambre anhelando saciedad. […]. \nDesde su fe católica\, revindica este deseo como una fusión entre modernidad y post-modernidad\, con un retorno a una visión menos individualista\, egocéntrica\, y más sagrada\, cósmica y solidaria\, de la creación artística: \nCada ser es único y semejante a los demás. Mi verdadera naturaleza\, la de mi diferencia y la de mi unión al universo\, debe ser interrogada.[…]. \nLa pintura como lienzo nació con el Renacimiento de una necesidad del pintor de librarse de la sociedad medieval. Se colocó delante del lienzo como si fuera un espejo. Buscó con ansia descubrir ese ente nuevo que es la Persona. Después de cuatro siglos\, la búsqueda parece acabada. Sin duda\, el psicoanálisis\, que ha tomado el relevo del arte\, ha puesto el punto final.  \nEl artista\, hoy en día\, tal vez tenga ganas de reencontrarse con los hombres y su entorno. […] Lo sagrado\, antes de esos cuatro siglos (en que encuentro a mis pares y compañeros)\, se expresaba a través de toda la cultura de una sociedad y del impulso de un pueblo. Desapareció con el mundo medieval.  \nSin embargo\, desde unas cuantas décadas\, parece resurgir de manera difusa y secreta en el corazón de los individuos. Los artistas son de los que intentan expresarlo desde el silencio interior hasta el fondo del cosmos. \n  \nUn trabajador manual  \nPara él\, la mano es la que guía el trabajo del artista\, dándole su autenticidad dentro de los límites que le imponen los materiales; es la que construye la experiencia y favorece una meditación creadora: \n  \nTengo la suerte de ejercer una profesión manual\, la de pintor vidriero\, y un verdadero material\, el vidrio. […] \nMi voluntad se concentra en la atención manual. Mis manos\, en esos momentos\, ya no son sirvientes;  dejo que hagan y ellas inventan. \nSoy un “manual”. Mi trabajo me ha obligado a reflexionar y a pensar de una manera muy distinta del proceso intelectual corriente: mi pensamiento no se alimenta de conceptos: se desarrolla a través del juicio que hago prioritariamente  sobre mis actos. Entre las actividades humanas\, el trabajo de la mano se coloca para mi a un nivel muy alto.             \n             Muchos piensan que las manos de un creador ejecutan lo que la mente piensa\,  como servidores más o menos competentes. Es una idea desencarnada del arte. Las manos piensan\, actúan y se imponen en lo más verdadero del acto. Creo también en la necesidad vital de la meditación\, de la reflexión; son la inspiración: nutren y preparan el gesto creador\, la expiración. \n  \nUn artista de taller \n Revindica el trabajo en el taller\, el reto\, la constancia y la paciencia que supone el acto creador: \n \nMe gustan los oficios\, necesito el trabajo manual para doblegar un material\, dominar una técnica. No es que ponga el oficio en primera línea pero constituye para mi el grado mínimo por el cual la exigencia pasa al servicio de la inspiración\, la canaliza. El trabajo diario me lo confirma. La paciencia de las manos da luz al espíritu\, la obra nace en gran parte del respeto de las limitaciones\, la exigencia las llama. Creo que la libertad creadora se agudiza por los limites de los materiales y cuanto más estrecho se hace el camino de los posibles\, más fuerte se hace el brote creador. \n  \n Un artista de la naturaleza \n \n¿Habrá algo más hermoso que un gran castaño en flor alzando encima de su tronco una profusión de arabescos que desafían los cúmulos?/…/ Esos dibujos son frutos de escaladas de las que uno vuelve con la boca amarga\, los ojos vaciados\, el corazón encogido de haber bajado de sus cimas. \nEl dibujo es\, para Henri Guérin\, su nutriente primordial\, una escritura natural\, espontánea que lo coloca en un estado de trance\, movilizando todos sus sentidos\, para interrogar en el papel la esencia característica de un paisaje\, de un árbol y para aprehender las emociones que animan el trazo –la sombra\, estructura del día\, valor oscuro y pleno que a menudo construye en la página los impulsos del blanco\, poniendo orden en él. \nPara él –ya lo señalábamos antes-\,  el blanco es luz\, luz de silencio y también\, ausencia\, espera\, reserva. \n  \nUn artista de sombras y luces\, vibraciones y movimiento \n  \nTanto en sus dibujos como en sus acuarelas o en sus vidrieras\, este juego de luces y sombras se manifiesta en este ordenamiento del trazo\, de las pinceladas o de las teselas que adquieren vida en el papel o en le vidrio por su ritmo\, su transparencia en una vibración cósmica. \n  \n  \nA modo de conclusión\, quisiéramos resaltar\, como características de esta obra\, \n– la unidad entre proceso y resultado\, que hace de ella una creación abierta\, cambiante y viva\, al ritmo de los cambios estacionales de la naturaleza\, de las luces y de las sombras (lo pudimos apreciar en el vídeo\, en particular en “Transparencias” y “árboles”)\, en simbiosis con el palpitar del follaje de sus árboles\, al ritmo del crecimiento del trazo que le gana terreno a los espacios\, en un combate de la sombra sobre la luz (el papel –espacio blanco- o el vidrio – espacio transparente). \n– el rol importantísimo del material\, del ojo\, de la mano y del gesto para este  artista quedando impresos en la obra tal y como se subraya al final del vídeo\, citando la frase siguiente del propio autor: \n“No me olvido nunca\, cuando contemplo una obra ahora inmóvil y silenciosa\, que nació de un hombre en movimiento\, foco tumultuoso que movilizó todo su ser en la punta de un ojo\, de una mano”. \n– la capacidad de este artista de dar cuenta de su proceso creador en unos escritos cuya belleza nace de la constancia de su labor artística y de la autenticidad de la meditación y del análisis que ésta ha generado en su itinerario espiritual. \n  \n \n 
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SUMMARY:ARTES PLÁSTICAS: De acuarelas y acuarelistas
DESCRIPTION:Pintura a la acuarela\, tumba de Userhat (reinado de Amenofis II\, 1427-1401 a.c.) \nEl grupo de Artes Plásticas nos acerca al mundo de las acuarelas y los acuarelistas\, haciendo también un repaso histórico y sintético pero muy interesante. \nAunque a menudo infravalorada y relegada al segundo plano del estudio y el bocetaje (raro es el artista que no lo utiliza para realizar con ella apuntes del natural) lo cierto es que esta ancestral técnica es tan fascinante como versátil\, y su presencia en nuestro pasado y presente es mucho más extensa de lo que somos conscientes de apreciar. \n  \nAlgo de historia\nLa acuarela como tal (amalgama  de pigmentos puros con goma arábiga) fue la técnica empleada por los antiguos egipcios\, manteniéndose prácticamente inalterada durante 3000 años. Utilizaban básicamente dos métodos: pintura sencilla sobre paredes de yeso y arcilla húmeda\, o pintura al fresco\, y lavadas de acuarela sobre diseños tallados o grabados en la piedra caliza\, cuya porosidad atrapaba y resaltaba el pigmento. \nParalelamente\, en la zona que hoy conocemos como China\,  la historia de acuarela se desarrolla íntimamente ligada a la historia del papel\, inventado poco después del año 100 AC. El arte de las acuarelas chinas o Shuimo hua se remonta a la dinastía Tang (618-907)\, época en la cual se empezó a utilizar agua (“shui”) y la tinta china (“mo”). Los pintores de la dinastía Tang solían usar la tinta más diluida (con más agua) para que los tonos del cuadro quedasen más difuminados. A partir de la dinastía Yuan (1271-1368) apareció otra técnica para pintar Shuimo hua que consiste en usar la tinta menos diluida para que haya una mayor gama de tonalidades. Dentro de ese periodo podemos destacar pintores como Zhao Mengfu (1254–1322) o Huang Gongwang (1269–1354)  No entraré aquí en el extenso debate acerca de si estas aguadas de tinta deben considerarse o no “acuarelas”. Tal vez os apetezca hacerlo a través de los comentarios… 😉 \nDetalle de “El baño de los caballos”\, Zhao Mengfu \nAparición de Cristo\, miniatura perteneciente al Beato de Silos \nEn la Edad Media se utilizó para la iluminación de los primeros manuscritos y grabados\, así como para los diseños de las cubiertas de los libros. Era muy común entre las clases altas el regalo de un libro de bodas\, cuya portada iba adornada con el retrato de alguno de los novios o con el escudo familiar. En este caso\, para templar o  fijar los pigmentos sobre el vellón de cuero\, se mezclaba la acuarela con yema de huevo batida: es lo que hoy conocemos como técnica de temple al huevo. \nDurante el Renacimiento podemos destacar el uso sistemático de acuarelas del pintor Renacentista Italiano Raffaello Santi (1483-1520) para la confección de los cartones para tapices. Otras figuras del Renacimiento que comienzan a emplear con cierta continuidad la acuarela son el Alemán “Alberto Durero”\, (Albrecht Dürer 1471-1528) y el italiano Federico Zuccaro (1542-1609). Las acuarelas de Alberto Durero introducen verdaderos estudios de temas de historia natural\, animales y plantas son captados con gran rigor y detalle introduciendo la acuarela en lo que con el tiempo sería el dibujo científico.Su ejemplo determinó que a partir de entonces los grandes maestros utilizasen la acuarela para los estudios preparatorios de las pinturas al óleo\, murales\, etc. y su método de  veladuras a base de aguadas transparentes se adelantó a la famosa escuela del Método Inglés del siglo XVIII que veremos más tarde. \nEl Gato\, Alberto Durero \nLa primera escuela europea específicamente de acuarela fue liderada por Hans Bol (1534-1593)\, influida claramente por las creaciones de Alberto Durero. En ésta época\, no era frecuente el uso de pintura al agua\, algo que si se aprecia en las obras de otros maestros Holandeses como los paisajes invernales realizados con una mezcla entre acuarela y gouache de Hendrick Van Avercamp (1585-1634)) y algunas escenas de taberna realizadas por Adriaen Van Ostade (1610-1685). \nFlemish Kermis\, Hans Bol \nLa escuela inglesa\nLa técnica de la acuarela no fue apreciada como método artístico per se hasta el siglo XVIII\, cuando la Escuela Inglesa le hizo ganar aceptación. Al principio\, los acuarelistas ingleses seguían la tradición holandesa y se servían de aguadas monocromáticas para realzar sus dibujos a pluma o a lápiz\, sin embargo a mediados de siglo con la técnica innovadora del británico Paul Sandy(1725–1809) \, llamado el padre de la acuarela británica\, la utilización de la acuarela da un giro radical que se traducía en las posibilidades expresivas de manchar directamente sobre el papel sin la necesidad de un dibujo previo. \nLa acuarela pasaba por ser una técnica ideal para la pintura al aire libre por su portabilidad y facilidad de secado\, además permitía representar con comodidad temas propios del romanticismo como los cielos tormentosos\, la niebla\, la bruma y los tenebrosos bosques. De este modo\, un nutrido grupo de jóvenes artistas comienza a profundizar y desarrollar la rama del paisaje. Entre ellos podemos mencionar a John Robert Cozens (1752-1797)\, William Blake (1757-1827)\, Gaspar D. Friedrich (1774-1840)\, Thomas Girtin (1775-1802) \, Joseph W. Turner (1775-1851)\, John Constable (1776-1838)\, John Sell Cotman (1782- 1842)\, o Richard Parkes Bonington (1802-1828). \nQuizás el más famoso de ellos fue Joseph M. William Turner\, precursor de técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento\,fundiendo las imágenes para evocar una atmósfera subjetiva que activa la fantasía del espectador. \nBaccus et Ariadne\, Eugene Delacroix \nEn cualquier caso\, no todo fueron apacibles paisajes pastoriles\, autores como Willian Blake\, Thomas Rowlandson\, John Robert Cozens y posteriormente pintores románticos franceses como Géricault o Delacroix desarrollaron composiciones místicas\, de sátira social e incluso de lo sublime y grandioso en el sentido más dramático. \nA castle\, Paul Sandby \nBensozia\, Antoni Maria Fabrès i Costa \nAcuarelistas españoles\nTan solo Fortuny parece haber escapado a las garras del olvido. Sin embargo\, pintores como Pérez Villaamil\, José Jiménez de Aranda\, Pedro Pérez de Castro\, o Antonio Maria Fabrès i Costa fueron excelentes acuarelistas. \nAdemás\, y dado que en siglo XIX Barcelona ocupaba un lugar muy destacado en las industrias gráficas y editoriales\, muchos de aquellos dibujantes y pintores se dedicaron a la ilustración\, perpetuando sus maravillosas imágenes  a través de las revistas decimonónicas. Tal es el caso de Baldomero Galofré\, Agrasot\, Llovera o Brunet i Fita. \nAcuarela contemporánea\nYa sea para la  confección de carteles\,  aplicada al diseño\,la ilustración científica\, y un largo etcétera\,  lo cierto es que la acuarela está detrás de cuanto inunda nuestras pupilas a diario. Es imposible concebir el colorido mundo actual sin conceder a esta técnica gran parte del mérito. \nSin embargo\, a pesar de que sus usos están más enfocados a lo comercial\, existen también interesantes corrientes artísticas como la de los acuarelistas impresionistas del siglo XXI integrada por Trevor Chamberlain\, Gerald Green\, Steve Hall\, John Hoar\, Andrew Pitt\, Ron Ranson\, John Tookey\, Jake Winkle\, Sean Terrington-Wright y John Yardley\, de los cuales os invito a disfrutar a través del enlace: \nhttps://youtu.be/GKU1MzcAkWM \nEspero que este breve aunque intenso recorrido por el mundo de las acuarelas os haya animado a profundizar\, o al menos daros un chapuzón\, por este maravilloso arte tan fresco y tan amigo de la pintura al natural. \n  \nMontserrat G. Riegas \n 
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SUMMARY:Encuentro de Artes Plásticas
DESCRIPTION:Retomamos nuestros encuentros mensuales «artístico-plásticos» en los que volveremos a mirarnos a los ojos y a acercarnos. Del Ateneo en el Aire pasamos al Ateneo en la Tierra y echamos raíces con lo más humano\, que es el Arte.\n 
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